Mientras nos acercamos al clímax de la temporada de los Oscar, los cargos contra Hamnet sólo parecen intensificarse. Los detractores han calificado la adaptación de Chloé Zhao de la novela de 2020 de Maggie O’Farrell como «fan fiction de Shakespeare», denunciando todo, desde su imposición de roles maritales modernos en la Inglaterra del siglo XVI hasta el diseño de carteles de teatro con Paul Mescal como un apuesto Shakespeare.
Cada una de estas quejas tiene mérito. Cualquier espectador que se sienta distraído por imprecisiones históricas debería tenerlo en cuenta al hablar de su recepción de la película. Sin embargo, hay muchos otros espectadores que no vienen a Hamnet buscando una representación precisa del pasado. Más bien, disfrutan la película por la forma en que les hace sentir, por la inmediatez y profundidad de la emoción que se muestra. En ese sentido, Hamnet Tiene mejor éxito que cualquier otra película en la memoria reciente.
El bardo, apenas
Hamnet irrita de inmediato a los quisquillosos de la historia, comenzando con una tarjeta de título que parece decir lo obvio. “Hamnet y Hamlet son de hecho el mismo nombre, intercambiables en los registros de Stratford de finales del siglo XVI y principios del XVII”, declara, citando el artículo de 2004 “La muerte de Hamnet y la creación de Hamlet”, pero no, curiosamente, a su autor Stephen Greenblatt.
Incluso aquellos que no conocen Greenblatt o cualquier otra obra de nueva crítica literaria historicista probablemente podrían adivinar que Hamnet y Hamlet son más o menos el mismo nombre. Y podrían haber adivinado que la muerte del joven Hamnet afectó la creación de Aldea tanto como la política danesa, la opinión de Thomas Kyd La tragedia españolao cualquier otra cosa que haya influido en Shakespeare.
Sin embargo, en lugar de actuar como una declaración de propósito, la tarjeta de título actúa como un pararrayos. Reúne todas las expectativas de exactitud histórica que puedan tener sus espectadores y las disuelve afirmando lo obvio. Elimina esas expectativas, para que Zhao, quien coescribió el guión con O’Farrell, pueda pasar a la purga catártica que realmente quiere hacer.
Inmediatamente después comienzan grandes explosiones de sentimiento. Está Will respondiendo a su padre (David Wilmot) por no tomarse en serio la fabricación de guantes, seguido de él gritándole a su madre (Emily Watson) por su relación con Agnes. Está el cortejo de Agnes y William, que consiste en un rápido coqueteo seguido de un recuento del mito de Orfeo, que conduce a una cita pagana en el bosque. Está la primera discusión de la pareja, una típica crisis de artista y Will grita sobre su incapacidad para terminar su obra. Y todo eso en los primeros veinte minutos.
¿Las escenas no eran más que personajes que gritaban sobre sus pasiones? Hamnet no recibiría las críticas que se le hacen porque no tendría el éxito suficiente como para merecer mucha atención. Pero la película resuena entre los espectadores, y no sólo porque son fácilmente manipulables. Más bien, les afecta la forma única en que Zhao presenta los grandes momentos emocionales de la película.
Escena artificial, catarsis real
La escena destacada en Hamnet ocurre en los últimos diez minutos, cuando Agnes asiste a una actuación de Aldea. En este punto de la película, Hamnet (Jacobi Jupe) ha muerto, en una secuencia surrealista en la que aparentemente cambia su vida por la de su hermana gemela Judith (Olivia Lynes). La muerte deja a Anges atormentada por la culpa, pero Will pasa su tiempo en Londres, trabajando en sus obras y aparentemente negándose a reconocer a su esposa o lo que le pasó a su hijo.
Al enterarse de que Will está montando una obra que lleva el nombre de Hamnet, Agnes viaja a Londres y se abre paso hasta el frente del escenario del Globe, donde observa cómo se desarrolla la obra. Al principio, Agnes se niega a involucrarse en la obra, haciendo en voz alta preguntas obvias a su hermano Bartholomew (Joe Alwyn), preguntas obvias sobre la puesta en escena y sin prestar atención a los molestos silencios de quienes la rodean. Pero tan pronto como el actor que interpreta a Hamlet (Noah Jupe, hermano mayor de Jacobi) sube al escenario, Agnes queda paralizada.
Ella ve la historia sobre la muerte, sobre la locura en la indecisión, sobre un padre que deja el más allá para hablar con su hijo, sobre la tragedia que termina con tantos cadáveres, y lo interpreta todo como Will finalmente reconociendo el dolor por no poder hablar directamente. Y a través de su arte, le permite encontrar significado y paz, ayudándola a dar sentido a una pérdida sin sentido.
Por supuesto, los miles de ensayos escritos sobre Aldea demuestran que hay muchas, muchas otras maneras de leer la tragedia. Pero ese no es el objetivo de la escena. En cambio, Zhao se centra en las experiencias específicas de Agnes, mostrando cómo sus sentimientos lo anulan todo: las palabras, los actores e incluso los demás espectadores. El director de fotografía Łukasz Żal filma la escena cámara en mano, casi completamente en primer plano del rostro de Buckley, parándose ocasionalmente para dejarnos ver lo que está mirando. Zhao y el diseñador de sonido Maximilian Behrens prestan la misma atención a casi todo lo que hay en la mezcla, haciendo que el arrastrar de pies y los silencios de los miembros del público sean tan fuertes como cualquier cosa que digan los actores. La partitura de Max Richter permanece en silencio hasta que la obra se acerca a su final, entrando como un estruendo bajo mientras Hamlet lucha contra Laertes.
Ese enfoque cambia en el momento en que Hamlet sucumbe al veneno y las heridas y se desploma en el escenario, justo en frente de Agnes. Después de gritar: “¡Me muero!” Agnes se acerca al escenario y toma la mano del actor, que éste acepta y sostiene. En ese momento, la música sube de volumen y la partitura de Richter se vuelve rica y suntuosa, ahogando casi todos los demás sonidos. El público sigue el ejemplo de Agnes y todos se acercan al niño también, una imagen que Zhao captura con una toma cenital.
Nada de ese momento es sutil, real o históricamente preciso. Todo es artificio, restar importancia a las exigencias de la realidad para celebrar el poder de lo falso y lo fingido. Con el cambio llega una invitación para que el público que ve la película se una a Agnes y se deje llorar, aunque sólo sea porque la película exige que lloremos. Y si hay que creer en los informes de los cines de todo el país, los espectadores respondieron a esa demanda.
Por llorar en voz alta
Hamnet tiene un objetivo. Existe para hacer llorar al público, y cada línea, interpretación, imagen y sonido trabaja para ese fin. Para algunos críticos, esta búsqueda decidida de una respuesta particular es incluso peor que su desprecio por la exactitud histórica, como si hacer llorar a la gente fuera inútil.
Para algunos, ciertamente lo es. Vienen al arte en busca de alguna otra forma de experiencia, y eso es ciertamente válido. Pero Hamnet está convencido de que el arte tiene la capacidad de crear catarsis, de llevar al público más allá de las palabras, de ayudarle a dar sentido a emociones que escapan a cualquier otra expresión. Además, Hamnet insiste en que la capacidad del arte para hacernos llorar es importante.
Algunos no estarán de acuerdo con esa afirmación, del mismo modo que descartan Hamnet como una película. Y está bien, no todas las películas funcionan para todas las personas. Pero las poderosas reacciones a Hamnet demostrar que muchos otros no están de acuerdo, demostrando que la capacidad de la película para hacer llorar a los espectadores no es un inconveniente; más bien, es una prueba de la afirmación de la película de que los sentimientos fuertes importan.
Hamnet ahora se transmite en Peacock.
