Martin Scorsese ha estado haciendo películas desde 1967. Su filmografía actualmente cuenta con 26 largometrajes, 16 documentales y numerosos cortometrajes. Es un defensor incansable del cine, apoya numerosos esfuerzos de preservación y patrocina el proyecto cinematográfico mundial, que llama la atención sobre los cineastas de todo el mundo. Y últimamente se ha convertido en una especie de favorito de las redes sociales, gracias a los esfuerzos de su nieta y de la estrella del pop Charli XCX.
Sin embargo, si le preguntas al cinéfilo promedio sobre Martin Scorsese, es probable que lo identifiquen como ese tipo que hace películas de gánsteres. Hasta cierto punto, es una evaluación justa. Scorsese, después de todo, hizo Buenos amigos, Casinoy El irlandésalgunas de las mejores películas de mafias de todos los tiempos. Diablos, podemos incluir El lobo de Wall Street y Asesinos de la luna flor en esa misma categoría ya que son películas sobre grupos de personas que cometen delitos. (¡Y a los efectos de esta lista, lo somos!) Aún así, Scorsese es mucho más que un simple cronista de la vida de la mafia. No es necesario profundizar en su filmografía para encontrar películas de todos los géneros, algunas de ellas obras maestras como estos nueve grandes.
Alice ya no vive aquí (1974)
Incluso después de hacer tres películas, a Scorsese le preocupaba centrarse demasiado en los sabios. Así que cuando Ellen Burstyn, recién nominada a Mejor Actriz por El exorcistale trajo un guión de Robert Getchell sobre una madre soltera que comienza una nueva vida, Scorsese aprovechó la oportunidad de dirigir. Algunas de las características del estilo de Scorsese aparecen en Alice ya no vive aquíincluido un hombre malo interpretado por su colaborador frecuente Harvey Keitel. Pero gran parte de Alice muestra el buen ojo del director para encontrar personas desesperadas, incluso si lo hacen por medios totalmente legales.
Burstyn interpreta a Alice Hyatt, cuyo infeliz matrimonio llega a su fin cuando su marido (Billy Green Bush) muere en un accidente automovilístico. Junto con su hijo Tommy (Alfred Lutter), Alice se muda a su ciudad natal de California con la esperanza de iniciar una carrera como cantante. Pero cuando eso no logra despegar, acepta un trabajo como cantante de salón donde se enamora de Ben (Keitel), un hombre violento que oculta su matrimonio a Alice. Para escapar de Ben, Alice va a Tucson, Arizona, donde consigue un trabajo en un restaurante lleno de personajes pintorescos y se embarca en un romance con David (Kris Kristofferson). A pesar del final más afectuoso de la película, Alice ya no vive aquí tiene la misma seriedad lúcida que Scorsese aporta a todas sus películas, lo que hace que Alice sea tan complicada como cualquier hombre que luego llevaría a la pantalla.
Taxista (1976)
Entre sus líneas icónicas (“¿Me estás hablando?”) y su clímax innecesariamente violento, que casi le valió a la película una calificación X, Taxista Es sin duda una película de Martin Scorsese. Sin embargo, por mucho que Travis Bickle de Robert De Niro, con su cresta y sus gafas oscuras, se haya implantado en la cultura popular, la profundidad y la soledad de Taxista ha sido pasado por alto con demasiada frecuencia.
Taxista Definitivamente no es una película de gánsteres, porque Travis Bickle no tiene pandillas. Diablos, ni siquiera tiene amigos ni compañeros de trabajo. En cambio, pasa las noches conduciendo un taxi por la ciudad, un trabajo que acepta como respuesta a su insomnio. No establece conexiones con las personas que entran y salen de su coche, sino que las convierte en objetos de sus fantasías, ya sea una joven trabajadora sexual (Jodie Foster), una posible cita (Cybill Shepherd) o un hombre profundamente intolerante interpretado por el propio Scorsese. Perdido en su propia cabeza, Bickle se ve a sí mismo como un vengador brutal, alguien que puede o no impartir su propia forma de justicia.
El último vals (1978)
La música pop siempre ha sido una gran parte de la filmografía de Scorsese, desde el bullicioso comienzo de su ópera prima. ¿Quién llama a mi puerta?. Por lo tanto, no es de extrañar que eventualmente se saltara las gotas de la aguja y pasara directamente a fotografiar la banda ellos mismos. Que es literalmente lo que hace con su primer documental de concierto. El último valsque captura las actuaciones finales del legendario grupo de rock The Band.
Los aficionados a la música no tardarán en señalar que El último vals hace un mal trabajo al representar al grupo real, ya que empuja a la mayoría de los miembros a un lado para centrarse en el líder Robbie Robertson. Pero para aquellos que estén dispuestos a dejar de lado la precisión y tomar la película tal como viene, El último vals Es tan fascinante como cualquiera de las obras de Scorsese. Las canciones, por supuesto, son increíbles, especialmente cuando los Staples Singers se unen al grupo para interpretar su clásico “The Weight”. Pero igual de impresionante es la forma en que Scorsese y su equipo capturan a los artistas, en particular la atronadora “Mannish Boy” de Muddy Waters, un tema que casi se olvidaron de filmar, capturado con una sola cámara que se mueve al ritmo del maestro del blues.
Toro furioso (1980)
Martin Scorsese ha comentado más de una vez que se llevó una grata sorpresa cuando salió al otro lado de la Toro furioso para descubrir que todavía respiraba. La experiencia (y la cocaína) le habían dado motivos para dudar. Por supuesto, estamos contentos de que lo haya logrado y también confiamos en que logró este triunfo brutal e intransigente del cine. Jake LaMotta es de hecho un hombre difícil de amar, ya que el campeón de boxeo de peso mediano de la vida real es ensayado con toda su violencia, hostilidad y franca crueldad hacia su esposa y un hermano que era (al menos según esta película) la única persona en la que podía confiar.
Una película biográfica sobre un hombre duro. Toro furioso convierte la sangre y la desesperación en poesía, reinventando la película de boxeo por primera vez en décadas en un ballet de un solo hombre en primera fila desactivado en una rica cinematografía en blanco y negro (elogios de Michael Chapman) y una actuación imponente de Robert De Niro como un hombre incapaz y desinteresado en articular la fuente de su ira, pero que deja que lo consuma por completo incluso cuando lo convierte en un campeón. Lo brillante de la película es que luego permanece con él más allá de esos días embriagadores y cinéticos en el ring, encontrándolo décadas después solo y miserable en una tragedia que el director y la estrella codician como a un amante.
El rey de la comedia (1982)
La mayoría de los espectadores necesitan volver a ver varias veces Taxista antes de que se den cuenta de que Travis Bickle es, ante todo, patético. ¡No es así con Rupert Pupkin! Aquí está el antihéroe solitario en el que interpreta De Niro El rey de la comedia. Escrito por Paul D. Zimmerman, El rey de la comedia Sigue al ambicioso comediante Pupkin mientras se embarca en un complot desesperado para llamar la atención secuestrando a Jerry Langford, un presentador de un programa de entrevistas interpretado por Jerry Lewis.
Pupkin no es menos aterrador que Travis Bickle, aunque se presenta como afable y divertido. De Niro inyecta una sensación de amenaza en la sonrisa de su personaje, ya sea apelando a Langford o dirigiéndose a la audiencia del estudio. Sin embargo, mientras que las hazañas de Bickle tienen lugar en gran medida en su cabeza, Pupkin tiene una audiencia de estudio y espectadores en televisión, tal vez varios, dependiendo de cómo se lea la descripción de la realidad y la fantasía que hace la película. Sin embargo, el público no hace que Pupkin sea más aceptado y amado, dándole un nuevo giro a la soledad que afectó a su predecesor, Travis.
La última tentación de Cristo (1988)
Las películas de Scorsese han tratado tanto del cristianismo como del crimen y el rock and roll. De Calles malas En adelante, sus personajes han buscado la salvación y luchado con el miedo a la condenación, a menudo clamando a Dios en busca de dirección. De esa manera, el Jesús de La última tentación de Cristointerpretado por Willem Dafoe, no es tan diferente de cualquiera de los otros protagonistas de Scorsese, incluso si está llamado a ser el hijo de Dios.
Escrito por Taxista escriba Paul Schrader y adaptado de la novela de Nikos Kazantzakis, La última tentación de Cristo describe a un Jesús plenamente humano, alguien que no quiere nada más que casarse con Mary Madgeline (Barbara Hershey) y pasar sus días trabajando, pero que no puede escapar del llamado de Dios. Para algunos, La última tentación de Cristo se siente blasfemo, ya que se puede leer que este Jesús cedió a la tentación final, la que le permite evitar el sacrificio. Pero quienes observen de cerca verán que el devoto Scorsese nos ha dado un Jesús fiel, fiel hasta la muerte en la cruz.
La edad de la inocencia (1993)
Scorsese es famoso por llamar La era de la inocenciaque él y el coguionista Jay Cocks adaptaron de la novela de Edith Wharton, su película más violenta. Al principio esa afirmación suena hiperbólica. Después de todo, nadie en esta historia de romance entre la élite adinerada del Nueva York de la década de 1870 saca un arma o mete la cabeza de alguien en un tornillo de banco. Sin embargo, cuando uno presta atención a la vulnerabilidad emocional que se muestra y a los grandes riesgos que asumen quienes buscan el amor, sólo para que se les niegue rotundamente, entonces la evaluación de Scorsese suena cierta.
Daniel Day Lewis interpreta a Newland Archer, un abogado que espera casarse con May Welland (Winona Ryder). Pero cuando la prima de Welland, la condesa Ellen Olenska (Michelle Pfeiffer), regresa a Nueva York después de su fallido matrimonio con un noble polaco, los sentimientos de Archer comienzan a cambiar. El trío debe navegar no sólo por sus complicadas emociones, sino también por las demandas de la alta sociedad, una verdadera tribu, que ya ha castigado a Ellen por el crimen de su matrimonio fallido. Al final, La era de la inocencia captura un deseo que nunca podrá cumplirse y un anhelo que no puede articularse, lo que hace que sus personajes sufran un dolor mayor que el que cualquier mafioso podría infligir.
El aviador (2004)
Una película que Leonardo DiCaprio tiene en especial en alta estima por lo que representó en su carrera, el aviador fue la segunda de las colaboraciones de la entonces joven estrella con el Toro furioso director. También mantendríamos que es uno de los más subestimados a pesar de las numerosas nominaciones al Oscar y cinco victorias, incluida Cate Blanchett por interpretar a la leyenda de Hollywood Katharine Hepburn. Es una película obviamente destinada a sorprender a la Academia (al menos a los ojos de los patrocinadores del estudio Miramax). Pero para Scorsese personificó una de sus grandes fijaciones: el artista obsesivo y apasionado que se aniquilará a sí mismo y a todos los que lo rodean para lograr sus sueños.
Es cierto que el verdadero Howard Hughes (el magnate excéntrico y, eventualmente, afectado por TOC interpretado por DiCaprio) probablemente no se habría llamado a sí mismo artista. Era un aviador, un hombre de negocios, un productor de cine, un autodenominado patriota y muchas otras cosas desagradables también. Pero en manos de Scorsese su obsesión casi ruinosa por dirigir Ángeles del infiernola épica de aviación mitad sonora y mitad muda de la Primera Guerra Mundial que casi llevó a Hughes a la bancarrota dos veces antes de los 25 años (y luego resultó ser la primera epopeya de Hollywood de la era del sonido) resume una vida vivida como Ícaro: un antiguo héroe que vuela demasiado cerca del sol. Su caída y choque literal sobre los tejados de Beverly Hills también es bastante espectacular en manos de Scorsese. Más importante que las escenas, sin embargo, es el asombro del cinéfilo por la Edad de Oro de Hollywood por la que Hughes pasó en su mejor momento, y su trágica empatía por un tipo que básicamente lo tenía todo pero que a través de sus propias neurosis hizo grandes cosas, cosas terribles, desafió la autoridad y se construyó una prisión digna de Charles Foster Kane.
Silencio (2016)
Aunque es indiscutiblemente el autor de sus películas, Scorsese tiene pocos créditos de escritura a su nombre. Así que el hecho de que figure como guionista, una vez más junto a Cocks, por adaptar la novela de 1966 del autor japonés Shūsaku Endō significa que Silencio Tiene especial importancia para Scorsese. Silencio devuelve a Scorsese a su fe cristiana y aborda de nuevo cuestiones de escepticismo. Pero a diferencia de sus cuadros religiosos anteriores, Silencio trae un nivel de sufrimiento y violencia generalmente reservado para películas sobre gánsteres y criminales.
Ambientada en 1640, Silencio tiene un Corazón de las tinieblasPremisa al estilo de la cual los jóvenes sacerdotes jesuitas Sebastião Rodrigues (Andrew Garfield) y Francisco Garupe (Adam Driver) son enviados a Japón para encontrar a su mentor Cristóvão Ferreira (Liam Neeson), quien supuestamente abandonó la fe en una tierra ahora aislada de Occidente. Allí descubren que el shogunato Tokugawa que ahora gobierna Japón no sólo ha expulsado a los sacerdotes sino que está asesinando a miles de campesinos católicos japoneses que se niegan a renunciar a su fe. Mientras tanto, nuestros sacerdotes se ven obligados a renunciar a sus creencias bajo pena de tortura. Lo que sigue es una de las películas más desagradables pero impresionantes de Scorsese, que demuestra que comprende la capacidad de violencia y sacrificio de cualquiera, tanto santo como pecador.
