2025 apenas ha comenzado pero ya parece mucho. Los incendios forestales provocados por el cambio climático continúan asolando Los Ángeles y partes del sur de California mientras la inquietud se apodera de las noticias. Un momento de transición en al menos un lado del charco genera aprensión para nuestros lectores estadounidenses, y el resto del año puede parecer inquietante si se presta atención a los titulares.
En momentos como estos, es bueno tener una película reconfortante, una pieza de escapismo, que pueda levantar el ánimo y tal vez mejorar tu perspectiva para los días y meses venideros. Aquí hay algunas sugerencias que creemos que podrían atraer a cualquiera que se sienta triste en este momento…
En busca del arca perdida (1981)
La década de 1930 definitivamente no fue una “época más simple”. La Gran Depresión alcanzó su cráter más profundo en Estados Unidos y el fascismo avanzaba en Europa, culminando con el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Pero los entretenimientos, desde los musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers hasta las viejas series de los sábados por la mañana, pueden ser tremendamente simplistas y tranquilizadores. George Lucas resucitó esa certeza con entusiasmo a través del personaje de Indiana Jones, y Steven Spielberg la hizo atemporal cuando dirigió las primeras y mejores tres películas de Indy en la década de 1980, comenzando con En busca del arca perdida.
Un retroceso deliberado a las series de los años 30 y a la literatura de aventuras para chicos que las inspiró. asaltantes es la obra maestra de acción que marcó el estándar para el ritmo del éxito de taquilla moderno mientras el arqueólogo de Harrison Ford circunnavega el mundo en busca del Arca de la Alianza. Ah, y en el camino golpea, dispara y brutaliza a un grupo de nazis que queman libros y adoran cultos mientras lo hace. Lo cual es bueno.
El sonido de la música (1965)
Para la magia del escapismo puro, no hay género más transportador o alegre que un musical bien hecho. El vertiginoso crescendo de una hermosa canción, interpretada exquisitamente por un talento magnífico, es el material de los sueños de Broadway y Hollywood. Y obtienes los tres dentro de los primeros minutos de Robert Wise. El sonido de la música la rara adaptación de un espectáculo de Broadway que mejora la versión teatral. Todas las canciones clásicas de Rodgers y Hammerstein están aquí, pero en la película, Julie Andrews canta “las colinas están vivas” allí mismo, en lo alto de los Alpes austríacos.
El momento inolvidable prepara el escenario para un espectáculo épico de 70 mm que se eleva cuando la descarriada monja de Andrews, la hermana María, asume la tarea de ser tutora, cuidar y, en última instancia, convertirse en madre de siete precoces niños von Trapp. El romance entre ella y el severo Capitán von Trapp (Christopher Plummer) es a la vez sensiblero y digno de desmayarse, y sus lecciones auditivas son arrolladoras. Ah, y esta adaptación libre de la huida de la familia von Trapp de los nazis en la vida real después de que los pasos de ganso se apoderaron de Austria incluye un tercer acto en el que los von Trapp burlan a un grupo de fascistas y dejan humillado a un joven camisa parda ansioso. Estas son algunas de mis cosas favoritas.
Los hermanos del blues (1980)
En días como este, es bueno saber que gente como Jake y Elwood Blues están ahí fuera. Hermanos que en la ocasión adecuada pueden ser llamados a ir a una misión de Dios. Su destino es difundir el evangelio de la buena música, las mejores vibraciones y el cine para sentirse bien en todo el mundo. Ray Charles, James Brown, Cab Calloway y una espectacular Aretha Franklin (por nombrar solo algunos) también están disponibles para dejar caer algunos estándares de jazz y R&B entre las travesuras de comedia emprendidas por John Belushi y Dan Aykroyd en el apogeo de su genialidad.
John Landis dirige la primera (y aún mejor) adaptación cinematográfica de una SNL sketch, que amplía el concepto de antiguos compañeros de reparto que se divierten con gafas de sol en una película tranquila donde Aykroyd y Belushi caminan encorvados por el área metropolitana de Chicago. En el camino, forman una banda, cabrean a los campesinos sureños y lideran alegremente a las autoridades locales a través de una de las mejores secuencias de persecución de autos de todos los tiempos. También se podría cambiar el nombre de Wacker Drive. Además, no lo olvidemos, destruyen una manifestación neonazi con el Bluesmobile, lo que lleva a un par de fascistas estadounidenses a perseguirlos durante el resto de la película hasta que los chicos de los Blues engañan a los camisas pardas para que caigan en picado hacia la muerte. Buenos tiempos por todos lados.
Casablanca (1942)
Libra por libra sigue siendo la mejor película realizada en la Edad de Oro de Hollywood, la de Michael Curtiz. Casablanca es una vertiginosa colección de citas de películas de todos los tiempos, cortesía de un guión de Julius, Philip G. Epstein y Howard Koch. «Aquí te estoy mirando, niño»; “todo el mundo viene a casa de Rick”; “siempre nos quedará París”; «De todos los locales de ginebra de todas las ciudades del mundo, ella entra al mío»; “reunir a los sospechosos habituales”; “Louie, creo que este es el comienzo de una hermosa amistad”; «Tócala (otra vez), Sam». ¡Y más!
Pero más allá de un guión ingenioso y melancólicamente romántico, Casablanca sigue siendo un amplio melodrama de la Segunda Guerra Mundial sobre los problemas de tres personitas, una de las cuales (Ingrid Bergman) pensó que su marido estaba muerto en un campo de concentración cuando conoció a Rick (Humphrey Bogart), solo para descubrir que su esposo (Paul Henreid) había regresado a ella cuando todos están tratando de escapar de las botas militares en el Marruecos controlado por Vichy. También lanzado durante Después de la guerra, y en un momento en que los nazis todavía ocupaban París y el norte de África, hay una punzada de emoción cruda y tangible cuando el elenco de europeos, en su mayoría expatriados, incluida la actriz francesa Madeleine Lebeau, canta el himno nacional francés, “La Marsellesa, ” mientras ahogaba a los fascistas en una discoteca. Todavía se te hace un nudo en la garganta escuchar a Lebeau gritar: “Vive la Francia! Vive la libertad!»
Los productores (1967)
La icónica película musical de Mel Brooks sobre lo que podría suceder si intentaras ganar más dinero con un fracaso que con un éxito, y qué podría suceder a su vez si ese fracaso se convirtiera en un éxito.Los productores se ha convertido en leyenda. Es una película sobre el peor temor de todo estafador y estafador de poca monta: ¿y si venciera la factura? Zero Mostel y Gene Wilder forman un dúo icónico como los productores de Broadway sin escrúpulos que intentan charlar, elegir y engatusar para llegar al fracaso financiero y, en cambio, terminan en Sing Sing por sus fechorías. (Esos eran los días.)
Sin embargo, la película es mejor recordada por cumplir la promesa de toda la vida de Mel Brooks de «hacer reír al mundo de Adolf Hitler». Las risas que todavía nos llegan de “Primavera para Hitler” son una prueba de que tuvo éxito entonces y, de manera tranquilizadora, ahora. Aún así, hoy en día es posible que disfrutes tanto del anciano nazi de Kenneth Mars que se enfurece con todos los que se ríen de su ídolo de hombre fuerte.
El cohetero (1991)
No fue un éxito financiero cuando salió, Joe Johnston El cohetero ha resistido la prueba del tiempo como un auténtico clásico de culto debido a su sincero optimismo y su dulce afabilidad. Imaginamos una de las partituras más sentimentales y americanas de James Horner, y este es el tipo que ganó su Oscar por composiciones lacrimógenas en Titánico!—recorrió un largo camino para cultivar ese sentimiento. Pero toda la película aprovecha una sincera salubridad, quizás incluso más que sus obvias influencias de Indiana Jones.
Éste adapta la serie de cómics de los años 80 de Dave Stevens y evoca también el atractivo de los cómics y programas de radio de los años 30 y 40 con su héroe pulp deliberadamente retro con un casco art déco y un telón de fondo de la Edad de Oro de Hollywood. Allí lucha contra el perfecto sustituto de Timothy Dalton, Errol Flynn, quien (¡sorpresa!) es en realidad un saboteador nazi secreto decidido a robar el cohete de Howard Hughes. Afortunadamente, el piloto estadounidense Cliff Secord (Billy Campbell) y su mejor chica, la estrella de cine Jenny Blake (una va-va-voom Jennifer Connelly), se interponen en su camino. Incluso involucran al mafioso local Eddie Valentine (Paul Sorvino). “Puede que no gane dinero honestamente”, afirma Sorvino, “pero soy cien por ciento estadounidense. No trabajo para ningún nazi de poca monta. Es un buen sentimiento.
X-Men: Primera generación (2011)
Otra película de superhéroes que es un poco más moderna en cuanto a ambientación y realización, la de Matthew Vaughn. X-Men: Primera generación se siente extrañamente subestimado estos días. Esto podría deberse a que incluso en 2011, el género de superhéroes estaba girando hacia fantasías interconectadas más extravagantes. Sin embargo, una de las mejores cosas de Clase primera es que a pesar de toda su espuma, mantiene un pie en algo que se aproxima al mundo real, al menos a través de las películas de James Bond de Sean Connery de los años 60.
Ambientada durante la crisis de los misiles cubanos en 1962, Clase primera hizo el «retroceso a los días de gloria de Marvel Comics» unos 14 años antes del próximo Los cuatro fantásticos película, y lo hizo con mucho ojo para los detalles cuando se trataba de imitar la cultura pop de la época, si no la realidad. También es la mejor exploración de la nave enemiga de Charles Xavier y Magneto en cualquier medio (aquí interpretado joven y tal vez coquetamente por James McAvoy y Michael Fassbender).
También presenta un momento absolutamente rudo en el que Fassbender convierte a Magneto en un antihéroe en toda regla. Haciendo su mejor imitación de Connery, el sobreviviente del Holocausto entra a un bar argentino y felizmente habla alemán con algunos de los lugareños antes de que una clientela mayor le pregunte cómo se llamaban sus padres. “No tenían nombre”, sonríe Fassender. “Se los quitaron ‘criadores de cerdos’ y ‘sastres’”. Luego muestra los números de serie tatuados en su brazo a hombres que afirman estar escondidos en América del Sur simplemente para cultivar y confeccionar ropa. Lo que sucede a continuación es inmensamente satisfactorio…
Bastardos sin gloria (2008)
“Probablemente hayas oído que no estamos en el negocio de tomar prisioneros; Estamos en el negocio de matar nazis”, ronronea Brad Pitt con un dudoso pero maravilloso acento de los Apalaches. «Y prima, ¡el negocio está en auge!» Tal es la pura emoción de dopamina de los llamados «Bastardos», los hombres titulares en una misión en la sexta película de Quentin Tarantino. Pero a pesar del orgullo por la ubicación del título, no debes dejarte engañar. Son simplemente una decoración ornamental en la parte superior; glaseado sobre el pastel.
Bastardos sin gloria es en realidad un amplio conjunto de vidas e historias que se cruzan en la Francia ocupada por los nazis alrededor de 1944. La película sigue a soldados, críticos de cine encubiertos, un oficial de las SS del infierno interpretado ingeniosamente (Cristoph Waltz) y, finalmente, una mujer judía (Mélanie Laurent) que escapó. el asesinato de su familia y ahora vive a plena vista como propietaria de un cine gentil en París. Es una fantasía sobre el poder restaurador del cine y la belleza fugaz del escapismo. Aun así, también se trata de matar nazis. Muchos de ellos. Y a veces con un bate de béisbol.
