Película de superhéroes de Joe Johnston de 1991 El cohetero La película comienza de la forma habitual, con los títulos de crédito de apertura en color naranja sobre una pantalla negra. Solo el leve tintineo del piano insinúa algo más grande, pequeñas notas de inspiración bajo la escritura art déco que se muestra. Efectivamente, después de que se revela el título, la partitura se detiene. La pantalla negra se revela como las puertas de un hangar y las cuerdas de la partitura de James Horner van aumentando hasta un crescendo. Están anunciando las esperanzas que se ciernen sobre el biplano amarillo que emerge.
Una escena cálida y confiada del piloto Cliff Secord (Billy Campbell) demostrándole a su mecánico Peevey (Alan Arkin) y a sus amigos que tiene lo necesario para ganar una carrera es una forma extraña de comenzar una película de superhéroes, incluso una de las películas inspiradas en la literatura pulp que Hollywood produjo después. hombre murciélago tuvo un gran éxito en 1989. A finales de El coheteroSin embargo, los espectadores no sólo verán a Secord ponerse un casco dorado y una chaqueta de cuero para combinar con su máquina voladora (una adaptación perfecta del personaje creado por el artista Dan Stevens en 1982), sino también gánsteres, nazis y a Terry O’Quinn como Howard Hughes.
Es una gran aventura, pero El cohetero Aún así, el cine sigue destacando porque hace que el público se interese por los personajes. Y pocos directores comprendieron la relación entre la ficción de género y los personajes ricos mejor que Joe Johnston.
Cariño, me convertí en directora
La carrera de director de Johnston comenzó con un proyecto muy diferente. Inspirado por películas de ciencia ficción de los años 50 como La increíble mujer menguanteel director Stuart Gordon y Brian Yuzna intercambiaron películas asquerosas como Re-animador y Desde más allá con Salchichas adolescentes para Disney. Pero cuando la enfermedad obligó a Gordon a abandonar el proyecto, Disney se arriesgó con un diseñador y un especialista en efectos especiales de larga trayectoria, lo que permitió que Joe Johnston se pusiera a dirigir una película con muchos efectos especiales, ahora retitulada Cariño, encogí a los niños.
La decisión de elegir a Johnston no fue exactamente la apuesta arriesgada que el contexto anterior podría sugerir. Johnston ha estado en la industria desde que trabajó como artista de efectos visuales (y soldado de asalto no acreditado) en Guerra de las Galaxias en 1977. Johnston pasó a ser un diseñador clave en varios proyectos de ciencia ficción durante los siguientes años, trabajando como director de arte en El regreso del Jedi y Indiana Jones y el templo malditoy diseñó personajes icónicos como Boba Fett y el Gigante de Hierro. Johnston incluso trabajó como director de segunda unidad en la película de 1987 *baterías no incluidasque contó con Brad Bird como coguionista.
En otras palabras, Johnston ayudó a crear algunas de las películas más influyentes de todos los tiempos, obras que combinaron el espíritu de asombro de los años 30, 40 y 50 con los espectáculos impulsados por los efectos especiales de los años 70 y 80. Más importante aún, Johnston aprendió quizás la lección más importante que Steven Spielberg enseñó a los espectadores de cine: los efectos solo importan si nos importa que la gente se sienta maravillada con ellos.
Johnston demuestra su comprensión de la relación entre personaje y espectáculo en 1989. Cariño, encogí a los niñosEn una de las secuencias más destacadas de la película, las parejas de hermanos protagonistas (Amy y Nick Szalinski[Amy O’Neill y Robert Oliveri]y Russell y Ron Thompson[Thomas Wilson y Jared Rushton]) intentan convocar a un perro para que los lleve de vuelta a casa después de que un rayo reductor los haya reducido a unos pocos centímetros de altura. La cámara sigue al cuarteto a través de escenarios fantásticos que convierten la hierba y las malas hierbas en torres, mostrando imágenes notablemente creíbles. En lugar de dejar que los efectos abrumen la escena, Johnston sostiene su cámara solo por un momento, mientras un avergonzado Russell intenta unirse a los demás para silbarle al perro, con la esperanza de que Amy no vea sus defectos.
Se trata de una pausa de dos segundos en un momento que, en otras circunstancias, gira en torno a la aventura y el espectáculo, pero Johnston sabe que esos dos segundos hacen que todo lo demás en la secuencia importe.
Una carrera increíble
La mayoría de las once películas de la filmografía de Johnston (contando El Pagemaster y El Cascanueces y los Cuatro Reinosque sólo dirigió parcialmente) combinan un espectáculo de efectos especiales con un drama conmovedor de personajes.
Antes de que se convirtiera en un vehículo estrella perezoso para The Rock y Kevin Hart, el primer Jumanji le dedicó tiempo al adolescente Alan Parrish (Robin Williams) para lamentarse por su infancia perdida entre los rinocerontes y monos que emergen de un juego de mesa mágico y siniestro. Los detractores se obsesionan con el meme del raptor parlante creado por Parque Jurásico IIIpero Johnston no sólo creó escenas aterradoras del ataque de un pterodáctilo, sino también ricas interacciones entre una pareja en un matrimonio en crisis (William H. Macy y Téa Leoni). Incluso el fracaso de Johnston El hombre lobouna película de terror gótico de Universal obstaculizada por un guión inerte y un mal manejo del estudio, tiene sus secuencias notables, incluida una del licántropo de Benicio del Toro cazando a Emily Blunt a través del bosque.
Quizás el ejemplo más famoso del talento de Johnston viene con Capitán América: El primer vengador de 2011. Si bien Chris Evans (con razón) recibió muchos elogios por su capacidad para hacer que Steve Rogers fuera serio sin ser cursi, Johnston fue igualmente decisivo para lograr ese movimiento en la introducción fundamental de la película del personaje. Johnston bañó la película en una nostalgia en tonos sepia y evitó que las cosas se volvieran cursis gracias a un gran reparto, que incluye no solo a Evans sino también a Hayley Atwell como Peggy Carter y Tommy Lee Jones como el general Chester Phillips. Su respuesta sensata a los procedimientos se combinó con el héroe de buen corazón de Evans para mantener las cosas arraigadas en la emoción, incluso cuando se reutilizan tropos de las series de aventuras (o, de todos modos, la reinvención de las series de aventuras por parte de Spielberg y George Lucas).
Pero la película más personal de Johnson es la que tiene menos espectáculo pero más personalidad. Ambientada a finales de los años 50, Cielo de octubre La película sigue los sueños de Homer Hickam, un adolescente de Virginia Occidental interpretado por Jake Gyllenhaal, que desea escapar de su destino como minero de carbón. En cambio, anhela convertirse en un científico espacial. Johnson adapta la autobiografía de Hickam, pero lo hace atenuando la nostalgia con personajes reales y secuencias emocionantes.
El padre minero de carbón de Hickam, que desaprueba la obra, podría fácilmente caer en un cliché, incluso cuando lo interpreta el gran Chris Cooper, pero Johnston tiene cuidado de enfatizar el conflicto interno del hombre y su decencia fundamental. En una de las primeras escenas, Homer llega a la mina de carbón justo después de un derrumbe. “Ese es mi papá”, dice Homer radiante mientras el mayor de los Hickam saca valientemente a un hombre de los escombros. Pero cuando el señor Hickam reprende a ese mismo hombre por un error que causó el derrumbe y puso a otros en peligro, el rostro de Homer se ensombrece un poco y repite la frase con menos entusiasmo: “Ese es mi papá”.
Con esa breve escena, Johnston les cuenta a los espectadores todo lo que necesitan saber sobre los dos hombres Hickam. Esa tensión prepara el terreno para las secuencias de aventuras más fantásticas y tradicionales de la película, incluida una escena atrevida y cómica en la que Homer y sus amigos roban un trozo de vía de una línea que creían abandonada y escuchan que se acerca un tren. Cielo de octubre Aunque se da algunos caprichos con el espectáculo, en su mayoría con Homero probando los cohetes que envía al cielo, Johnston rinde homenaje a su mentor Spielberg con tomas de reacciones de personas mirando hacia arriba con asombro.
La fantasía del hombre volador
El clímax de El cohetero Reúne todas las piezas que Johnston domina. Ahora con su atuendo completo, Cliff se lanza a un zeppelín para rescatar a su novia Jenny (Jennifer Connelly) del actor y fascista Neville Sinclair (Timothy Dalton, haciendo su mejor versión de Errol Flynn). Los gánsteres y los agentes del gobierno unen sus fuerzas contra los soldados nazis que se han infiltrado en Hollywood por la fuerza, creando una secuencia que combina todos los clichés de los años 30 y 40 en una divertida y divertida película.
Pero la recompensa llega cuando los reflectores apuntan a Cliff. Bañado por la luz, Cliff adopta una postura heroica que parece sacada de las ilustraciones de Stevens, con una pistola levantada en una mano, la aleta de su casco arqueada hacia atrás y una bandera estadounidense ondeando detrás. Johnston se queda con la imagen un momento para que la asimilemos, pero luego vuelve a mostrar a la gente atónita en el suelo.
Ese momento es Johnston en pocas palabras: imágenes fantásticas y verdad emocional, cualidades que faltan en demasiadas películas y cualidades que deberían hacerle ganar más elogios a Johnston.
